On attendait l’annonce de la sélection Cannoise en serrant doucement les fesses. Non pas qu’on espérait voir 4 ou 5 réalisatrices débouler comme ça dans la prestigieuse sélection (aucun espoir), mais bien par crainte de passer encore une fois pour des casse-burnes et des trouble-fête, alors même que nous adorons le cinéma – but « An’t we all » ? Lier « Cannes », « Sexisme » et « Cinéma » dans une même équation reste semble-t-il un crime de lèse-cinéphilie.

"Il n'y a pas de grandes auteures": et Claire Denis, c'est du poulet?

L’an passé, quand j’ai gueulé sur l’absence de femmes dans la course à la palme d’or, j’ai entendu des trucs sidérants. De la part de cinéphiles, d’étudiants et de professionnels du cinéma. On m’a dit que les femmes de pouvaient pas être de grandes réalisatrices car « trop dans l’intériorité » – rapport sans doute à leur gros utérus dégueulasse  qui se balade un peu partout dans leur corps au rythme des cycles lunaires. On m’a ensuite soutenu que c’était pour ça qu’il n’y avait pas de Kurosawa ou de Fritz Lang « au féminin ». Ce qui m’a rappelé ce texte de Colette Guillaumin : « La biologisation de la perception, dés qu’elle est associée à la perception de la différence sociale, forme le nœud de l’organisation raciste ». Et ce n’est pas trahir l’auteurE que de vous inviter à remplacer raciste par sexiste.

Si les « Gens de Cannes » sont incultes en quelque chose, c’est sans doutes moins en cinéma qu’en politique du cinéma. Et la politique des cultures est bien tout ce qui nous intéresse ici. Le cinéma est l’art qui, plus qu’aucun autre, permet à notre regard de se transformer et à nos perceptions de se plier sur des lignes temporelles, spatiales et politiques totalement autre. Le monde que nous percevons est informé par un ensemble de technologies sociales et culturelles qui font que nous le comprenons d’une façon globalement similaire. Notre regard sur le monde est ainsi déterminé par des structures idéologiques inégalitaires que le cinéma, par exemple, est en mesure de reproduire, de célébrer, mais aussi de pirater, de subvertir, voir de renverser.

Caméra / Pouvoir / Puissance

L’argument de la qualité des films est de ce fait un argument fragile. On nous dit : « pas de films de femmes de qualité suffisante produits cette année ». Et l’année d’avant ? Et celle d’avant ? Donner un podium international au cinéma des minorités (dont fait parti le « cinéma des femmes ») est en enjeu qui devrait nous permettre de politiser nos critères qualitatifs et nos exigences esthétiques. Si des films réalisés par des femmes n’ont pas les qualités nécessaires pour concourir, nous devons nous demander : qui détient le pouvoir de décider ce qui est de qualité ou non ? Sur quels critères s’évalue cette qualité ? Qu’est ce qu’un critère patriarcal ? Qu’est ce qu’un jugement esthétique patriarcal ? Qu’est-ce qu’un récit contre-hégémonique ? Qu’est ce qu’une mise en scène non-sexiste ?

Pourquoi les pédés sont-ils dingues des artistes femmes, en particulier dans la chanson ? Pourquoi je m’intéresse au film de femmes en tant que pédé ? Sans doutes parce qu’une femme avec une caméra je trouve ça badass, sans doutes que ça m’inspire un truc puissant. Sans doute parce qu’un regard de biais sur la société aura plus de chance de taper dans mon imaginaire. Nous sommes touTEs des sujets politiquement et socialement situéEs, et tout ce que l’on ressent à l’intérieur d’une salle de ciné – plaisir, transport, absolu – procède d’un dosage de fun, d’affect et de politique parfaitement aléatoire. Pourquoi un mec comme Lars Von Trier met-il toujours ses actrices au supplice et pourquoi ces films me parlent, me hantent et me transportent malgré mon identité anti-sexiste et gay ? Ce genre de dialogues incessants entre la culture et nos imaginaires individuels et collectifs forment le vrai nœud d’une critique réellement féministe du cinéma.

Gramsci <3

Culture et domination sociale

On m’a aussi rétorqué que Cannes n’y pouvait pas grand chose à cette histoire de réalisatrice invisible, parce que le problème du sexisme dans l’industrie était en amont. Mais le cinéma et ses institutions, aussi prestigieuses soient-elles, ne précèdent ni n’échappent au sexisme structurant nos sociétés. Au contraire, elles y participent. Les institutions culturelles, qu’il s’agisse d’une bibliothèque municipale ou d’un festival de cinéma sont celles qui créent, impulsent et diffusent un « climat » culturel, une vision du monde à travers laquelle la société est transformée de manière concrète (Antonio Gramsci MOTHER FUCKERS!). Nier le rôle d’un festival comme Cannes (putain, CANNES quoi !) c’est nier le rôle de festival de cinéma Queer et LGBT à des échelles plus petites et nier leur capacité (disons même leur vocation !) à changer le monde - tel qu’il est perçu et tel qu’il est vécu.

Comme l’an passé, j’ai classé les films français réalisés par des femmes en 2012 selon leur budget en m’aidant du rapport CNC sur les coûts définitifs de production. Je ne ferai pas d'analyse ici, du moins pas tout de suite: à vous de faire ce que vous voulez de cette liste. Une idée serait, par exemple, de voir TOUS ces films les uns après les autres. Genre marathon. On est ici pour dénoncer une inégalité et mater des films avec ses potes. La vie.

 Coût inférieur à 1M€

(coût de fabrication définitif après fin de tournarge. Coût moyen: 4,7M€)

(7 films sur 20)

 La bande des Jotas - Marjanne Satrapi (83 347)

 Nana - Valérie Massadian (244 208)

Chercher le garçon - Dorothée Sebbahq (322 183)

Les Coquillettes - Sophie Letourneur (396 239)

 Le Voile Brulé - Vivane Candas (499 507)

 Dubaï Flamingo - Delphine Kreuter (536 129)

 Le Jour de la Grenouille - Béatrice Pollet (781 403)

 Coût compris entre 1M€ et 2,5M€ 

(7 films sur 30)

Paradis Perdu - Eve Deboise (1 456 711) 

Le Paradis des Bêtes - Estelle Larivaz (1 621 177)

La Guerre est Déclarée - Valérie Donzelli (1 736 603)

La Brindille - Emmanuelle Millet (1 881 244)

Le Secret de l'Enfant Fourmi - Christine François (2 234 855)

Arrete de Pleurer Penelope - Corinne Puget (2 268 975)

Memories Corner - Audrey Fouché (2 333 257)

Coût compris entre 2,5M€ et 4M€

(8 films sur 32)

La Folie Almayer - Chantal Ackerman (2 550 890)

Le fils de l'autre - Lorraine Levy (2 701 269)

17 Filles - Muriel Coulin (2 849 540)

Qui a envie d'être aimé? - Anne Giafferi (3 025 434)

Trois fois vingt ans - Julie Gavras (3 176 893)

Je me suis fait tout petit - Cecilia Rouaud (3 360 993)

Les adoptés - Mélanie Laurent (3 839 827)

Un amour de jeunesse -  Mia Hansen-Løve (3 921 754)

Coût compris entre 4M€ et 5,5M€

 (8 films sur 19)

Le Skylab - Julie Delpy (4 174 394)

Du vent dans mes mollets - Carine Tardieu (4 175 901)

Et maintenant on va où? - Nadine Labaki (4 374 336)

Un baiser papillon - Karine Silla (4 392 731)

Paris-Manhattan - Sophie Lellouche (4 420 133)

La clés des champs - Claude Nuridsany, Marie Pérennou

Cornouaille - Anne Le Ny (5 334 350)

 Polisse - Maïwen (5 455 281)

  Coût compris entre 5,5M€ et 7M€

(5 films sur 22)

Mince alors! - Charlotte de Turckheim (5 586 549)

Ma Première Fois - Marie-Castille Mention-Schaar (5 586 549)

Camille Redouble- Noémie Lvovsky (5 823 497)

Toi, moi, les autres - Audrey Estrougo (6 258 626)

La Vie d'une autre - Sylvie Testud (6 337 983)

Coût compris entre 7M€ et 15M€

(4 films sur 35)

Maman - Alexandra Leclère (7 031 660)

Plan de Table - Christelle Raynal (9 184 757)

Bowling - Marie-Castille Mention-Schaar (9 543 682)

Mon Pire Cauchemar - Anne Fontaine (9 920 860)  

Coût supérieur à 15M€

(0 sur 8)

THE END

Part One: Possession démoniaque au masculin

Part Two: Homo-exorcisme 

(...)

  Ghostbusters (1984)

Le personnage de Louis Tully possédé par l’entité sumérienne Vinz Clorto dans SOS Fantôme est un bel exemple de possession masculine au cinéma. Poursuivi dans les rues de New York par ce qu’il identifie comme un très gros chien, Louis se retrouve pris au piège contre la vitrine d’un restaurant et s’abandonne à la bête en un hurlement. La « possession » a lieu hors-champ, nous laissant imaginer le pire. Le viol supposé du personnage tire son effet comique d’un trope culturel liant passivité masculine et virilité ridiculisée: Gare au Gorille, ou peu s’en faut. L’attention portée dans SOS Fantômes à un type de masculinité « défaite » n’est pas évidente au premier abord: elle est pourtant toute l’histoire du film. Son statut culte et ses multiples rediffusions n’auront pas vidé de sa bizarrerie l’une des apparitions les plus gender fucked up du cinéma des 80’s : celle de Gozer le Gozerien dans sa combinaison moulante tout en écume cosmique. 

Les héros d’SOS Fantômes sont des scientifiques qui semblent avoir résolu le conflit entre sciences blanches (physique, chimie, médecine) et sciences occultes (spiritisme, parapsychologie, magie noire). Dans leur laboratoire, ectoplasmes et possessions sont des phénomènes mesurables et quantifiables, énoncées en molécules, en ondes et en rayons. Dés les premières minutes du film, nous comprenons que les membres de cette équipe non-conventionnelle sont des hommes qui ont reconnu leur part occulte (=féminine) mais qui aspire à la domestiquer (« 1, 2,…Attrapons-la !! »). Pataud, binoclard, trouillard, ou vieillissant, les Ghostbusters sont tout sauf des archétypes masculins glorieux. Face à une Apocalypse pointant le bout de son nez, les scientifiques doivent résoudre l’énigme de deux sujets possédés : Sigourney Weaver et Rick Moranis, choix de casting assez incroyable, avec d’un coté une toute jeune icône féministe échappée d’Alien et de l’autre un archétype du nerd éternellement nouille. Deux pôles de féminité et de masculinité qui cristallisent un bouleversement des rapports de sexe propre aux early 80’s. L’Apocalypse du film, c’est aussi, un peu, celle qui pèse sur la Virilité et ses privilèges. 

Avant qu'ils ne deviennent des héros, les Ghostbusters doivent affronter Gozer, un dieu sumérien parachuté dans notre dimension sous la forme d’une drag queen bowiesque. Ni homme ni femme, Gozer « prend la forme qu’il veut ». Le deuxième volet insistera sur ce lien entre Force du Mal et identité queer. Quand le personnage de Dan Aykroyd matérialise par la pensée un souvenir d’enfance, l’attendrissant Bibendum Chamalow, c’est pour  le faire fondre à coups de rayons laser. Sortez les mouchoirs ! Bill Murray, le vrai héros du film, charlatan pathétique et faux don juan, est forcé d’admettre sa part occulte - ici sa part sentimentale - pour se transformer. A la fin, les possédés sont délivrés (drôle de scène d'accouchement depuis une carcasse de chien brûlée) et les prolos de la masculinité sont portés en triomphe comme les sauveurs de New York. Ils se seront accomplis en devenant ce qu’ils ne sont pas : des mauviettes (Louis Tully) ou des femmes (Danna Barrett), deux type de corps poreux propres à être envahis. Pas de trouble dans le genre ici, plutôt l’affirmation d’une masculinité occulte, mais pas trop.

L'Aventure Intérieure (1987)

Sorti trois ans après Ghostbusters, le chef d’œuvre de Joe Dante est l’autre grand film fantastique des années 80 sur la virilité en crise forcée de se réinventer (avec Enemy Mine). Martin Short, génial à crever, y incarne un caissier de supermarché hypocondriaque et maladroit se retrouvant brutalement « possédé » par un pilote de chasse alcoolique et tête-brûlée interprété par Dennis Quaid. Ce dernier, miniaturisé à bord d’un engin submersible, est injecté par erreur dans le corps du caissier. Egaré dans ses entrailles, il décide de lui parler de l’intérieur par ondes radio. 

L’Aventure Intérieure est à ma connaissance la seule production de son époque à traiter l’envahissement du corps masculin avec tendresse et même une certaine joie. C’est aussi la plus intelligente, la plus riche en thématiques et la plus complexe en écriture. La possession de Jack Putter par Tuck Pendelton est une symbiose forcée racontée à la manière d'un buddy movie.

Le personnage de Meg Ryan nous met d’emblée sur la piste d’un film pas comme les autres. Journaliste, elle est la girlfriend du lieutenant Tuck, une femme indépendante, dynamique, intelligente, maniant les armes et les voitures de sports. Le personnage détonne grave.  

Autour de ce trio gravite une foule de personnages archétypaux et grotesques que les trois héros vont tour à tour devoir défaire, incarner, pulvériser voir digérer (littéralement). Dans le désordre : la Vamp, le Cow-Boy, le Terminator et le Génie Du Mal, un dandy sophistiqué entouré de caniches.

  Une des rares scènes empruntant directement au film de possession.

Tandis qu’il explore sa vulnérabilité et sa sentimentalité (L’Aventure Intérieure du titre) le lieutenant Tuck met sa virilité en partage et la transmet à Jack, en infusant littéralement en lui. Jusqu’à ce que le rapport d’échelle soit rétabli, et que les deux mecs se retrouvent comme des frères, égaux. Le personnage de Meg Ryan était-il requis par ce scénario de la virilité en crise ? Existe-t-elle uniquement pour hétéro-rectifier cette relation d’hyper-intimité entre deux hommes?  Il y a cette scène, clairement l’une des plus marquantes, où Tuck tombe nez à nez avec le fœtus de son futur enfant, après avoir basculé dans le corps de Lydia dans un tourbillon de salive. Si l’on est lassé de voir les personnages féminins sans cesse ramenés à leurs fonctions reproductrices, l’effet est ici saisissant, le romantisme joliment extra-terrestre, et le perso du lieutenant Tuck, ramené à une petitesse et une intimité bouleversante, trouve dans cette scène une forme de montée en grâce.

Son jeu permanent entre les corps, les échelles et les fonctions rend le film insaisissable et réellement original ; quant à l’espièglerie avec laquelle il égratigne les archétypes du cinéma traditionnel, c’est la marque d’un authentique pastiche (Joe Dante, grand auteur postmoderne), se jouant sans cesse des conventions masculines, en tirant des histoires, de la douceur et l’énergie d’une fête.